martes, 30 de diciembre de 2008

The Flock - Dinosaur Swamps (1970 USA Prog)

Kikas envia:
Después de ya haber sido publicado en esta casa su primero disco por nuestro GJ Emerad, AQUI, he decicido postearos su segundo trabajo.
Este disco, te lo dedico a ti GJ Emerad, por haber sido, y seguir siendo el Capitán de este barco, que por veces parece que va a ahondar, pero igual sigue bien vivo ... este es tuyo Emerad.

Imaginen la banda de vientos Chicago asociándose con King Crimson para hacer un álbum y, a continuación, un par de músicos de rock en la parada junto con un par de músicos country.

Ese es el tipo de mezcla que se puede encontrar en este álbum.

Algunas canciones son lentas y obsesionantes y otras de rock, mientras que otras tienen algunos fuertes interludios de jazz, bien como matizes de country.

Si te gusta King Crimson, It's A Beautiful Day, Blood, Sweat and Tears y piensas que te gustaria oír una banda de vientos de rock progresivo experimental, entonces podrás disfrutar de esto.

Una mezcla de estilos y transiciones rápidas, muy bien tocadas.

1 Green Slice
2 Big Bird
3 Hornschmeyer's Island
4 Lighthouse
5 Crabfoot
6 Mermaid
7 Uranian Sircus




Jerry Goodman - guitar, violin, vocals
Jerry Smith - bass, vocals
Rick Canoff - saxophones
Fred Glickstein - guitar, organ (hammond), vocals
Ron Karpman - drums, vocals
Frank Posa - trumpet
Tom Webb - saxophone (tenor)


A disfrutarlo pipol





The Flock - Dinosaur Swamps (1970 USA Prog)

The Soundtrack Of Our Lives - A Present From The Past (2005 Swe Rock)

Superfurry envia:
Así es exactamente como una recopilación de singles y rarezas debe ser editada, como algo especial para los fans. A Present From The Past es un doble disco editado por WEA International. Compila pistas de caras B, EPs, Versiones alternativas, demos inéditos y cortes acabados. Hay 32 selecciones en total recorriendo desde las versiones más tempranas de cuando The Soundtrack Of Our Lives acababa de formarse en 1995 hasta el 2005, año de edición de esta compilacion. Lo que asusta es la alta calidad del material, ordenado de forma que parezca un nuevo álbum de TSOOL y no una simple recopilación cronológica. Hay material con el miembro fundador Björn Olsson, quien, como Ian Person y Ebbot Lundberg, eran miembros de Union Carbide Productions. Olsson dejo hace años el grupo para comenzar su carrera en solitario, pero su contribución se nota aquí maravillosamente en cortes como "Galaxy Gramophone," "When Lightning Bugs Arrive", la demo inédita de "A Room Without a View", "Four Ages, Pt. 1" y "Retired Teenage Angst", todas ellas caras B o pistas de Eps. Pero en cierto modo esto es sólo el principio, puesto que la banda ha evolucionado a una unidad tan poderosamente enfocada, algunas de las pistas más potentes vienen de bastante más avanzada su carrera, como la del 2003 "Infinite Zero", inédita hasta ahora, y la del 2005 "To Somewhere Else", la parte negativa de "Heading for a Breakdown". El mundo sónico de múltiples texturas que mezcla el rock acústico y eléctrico es una pieza sin fisuras. El rango de transición de la banda se extiende desde sonidos de los 60 como únicamente puede sonar en TSOOL. Aquí, en los momentos menos formales (como en las demo de "We'll Get By", "Everyday Preacher", "Blind Date", "Still Get Around" y otras) su forma de interpretar y sus habilidades naturales hacen que el sonido desemboque de la misma forma que en las sólidas interpretaciones de las composiciones más formales.

Considerando que A Present From The Past es el sueño de un fan, éste va mucho más allá que eso como álbum. Sirve como una excelente aproximación para el recién llegado, es una iniciación en el mundo del sonido de TSOOL, que siendo desconocidos en Estados Unidos (y no por falta de intentos) son en su Suecia natal y en Europa occidental un supergrupo. Desde los primeros Pink Floyd o Love hasta los últimos días de los australianos Saints, a los primeros Echo And The Bunnymen y vuelta atrás de nuevo hasta Moby Grape, TSOOL tejen una misteriosa pero elegantemente construida personalidad que es única y sin fisuras. La calidad de la composición es giratoria. Nada se pierde en la aproximación de TSOOL y nada se deja al azar en el estudio. En directo hay una gran cantidad de experimentación y energía realizando excitantes actuaciones. Todo ello traído es usado de alguna forma única. Estas pistas ofrecen no sólo un retrato de de donde vienen TSOOL sino también de hacia donde van, y esto es lo bueno de esta recopilación. No es una adición sino una serie de fotos aurales de la historia. El seguidor estará encantado de saber que se incluyen todas las letras así como información de la edición. A Present From The Past está altamente recomendado para cualquier curioso del rock & roll, no sólo de TSOOL.




The Soundtrack Of Our Lives - A Present From The Past (2005 Swe Rock)

Johnny Rivers - Whisky A Go-Go Revisited (1969 USA Rock)

Milestone envia:
Johnny Rivers, bautizado así por el disc-jockey Alan Freed, nació en Nueva York en 1942, tocó todos los géneros musicales que estuvieron de moda en la segunda mitad de los sesenta, sin especializarse en ninguno.
En este disco aparece su tema más famoso, Oda a John Lee Hooker, en una versión de 15 minutos. Es un homenaje a uno de los precursores del rhythm and blues y, a través de él, al desarrollo de la música popular en los años cincuenta y sesenta , con citas concretas a los grandes momentos. Es un tema en forma de jam que incluye fragmentos de “Satisfaction” y de "Baby Please Don't Go". El disco se completa con diversas versiones que dan muestra de su eclecticismo, temas de Beatles, Bobby Hebb o del soul de Memphis.
Es un directo muy fresco, con buen sonido y planteamiento sencillo.
El disco que he ripeado es de una edición publicada en 1985, en una serie económica llamada “Fama” pero el vinilo es de buena calidad y está en muy buen estado. Como siempre wav comprimido en ape.




Johnny Rivers - Whisky A Go-Go Revisited (1969 USA Rock)

Graig Chaquico-Acoustic Planet. (1994 US AcousticRock)

Fito envia:
Para mi primera publicación he elegido a Graig Chaquico,(ex Jefferson Starship) músico que puentea los años 70’s con los tiempos actúales.Musico clasificable con muchas etiquetas,y que personalmente clasifico como Acoustic Rock en el que los amantes de la guitarra acústica podrán disfrutar de un sonido limpio e impecable, personal e instranferible que te transporta a ese planeta que todos queremos, que no es otro, que el de la naturaleza y que como he dicho al principio hace algo nuevo pero sin dejar de tener influencias rockeras, que nadie espere nada de lo hecho con los Jefferson.
Graig Chaquico, de procedencia portuguesa, los americanos pronuncia Chaquiso, toca en los primeros disco en solitario de Paul Kantner y Grace Slick, para posteriormente ingresar de pleno derecho en los reconvertidos Jefferson Starship y mas adelante en simplemente Starship, para que en 1993 lanzar su primer disco en solitario y 1994 el Acoustic Planet que nos ocupa.
Disco instrumental, muy apropiado para escuchar, en constrates, con otras músicas tan eclepticas de esta pagina, powerpop, psychedelic, Hard o blues.
Mis agradecimientos a coscolin por haberme ayudado en este mi primer posteo.
Espero que os guste.



Graig Chaquico-Acoustic Planet. (1994 US AcousticRock)

Carl Perkins - The Best of Carl Perkins

Babelain envia:
Le toca el turno a otro de los grandes. Carl Perkins; gran compositor, cantante y guitarrista. Además fue un tipo con buen “rollo”, modesto y sencillo; todo esto al parecer no le ayudó a que en principio alcanzara un gran éxito. Es el autor de unos cuantos temas básicos en la historia del r&r, como por ejemplo Blue Suede Shoes que interpretó magistralmente Elvis y que en España inmortalizó el gran Moris (Zapatos de gamuza azul) o Everybody's Trying To Be My Baby y Honey Don't que popularizaron los Beatles; eso por citar algunas. Un accidente de coche (un Cadillac) le dejó secuelas y perjudicó a su carrera. Era amigo de muchos músicos (Elvis,Beatles, Iggy Pop…)y tocaba con el que se lo pidiera. Fue un pionero del Rockabilly. En los años 80 grabó con los Stray Cats y por esas fechas George Harrison, Eric Clapton y Ringo Starr grabaron con él en la T.V. en Londres una sesión: Carl Perkins and Friends: A Rockabilly Session
Más información:
Carl Lee Perkins (Ridgely, Tennessee, 9 de abril de 1932 - Jackson, Tennessee, 19 de enero de 1998 ) fue un músico estadounidense pionero del rockabilly, una mezcla de rhythm and blues y música country, que inició su carrera con la Sun Records en Memphis al comienzo de los años 50.
Biografía
De origen humilde, su padre era un granjero arrendatario, Perkins se crió rodeado por la música gospel cantada por los afroamericanos en los campos del algodón.
A la edad de siete años ya jugaba con una guitarra que su padre le hizo con una caja de cigarros y los alambres de embalaje. A los trece, ganó un concurso de nuevos talentos con una canción que él mismo escribió y que la llamó "Movie Magg". Diez años más tarde, Perkins llevaría esa misma canción, renombrada como Sam Phillips, a la Sun Records.
Comienzos
Sus comienzos fueron trabajando en salones de baile country de su pueblo, acompañado por sus hermanos Jay con la guitarra rítmica y Clayton al bajo. De este modo terminaría también su carrera.
Blue suede shoes
En 1956, un desesperadamente pobre y luchador Perkins, escribió la canción "Blue suede shoes" (Zapatos de gamuza azul) sobre un viejo saco de patatas. Con Sam Phillips como productor, el disco sería un éxito clamoroso. En los Estados Unidos, alcanzó el número 1 en la Billboard magazine en su sección de música country, el 4 en la sección de música Pop y el 3 en la de rhythm and blues. En el Reino Unido, se convirtió en un éxito de los Top Ten. Fue el primer disco de un artista de la casa Sun que alcanzó un millón de copias.
Accidente
La mala fortuna hizo que, con la canción en la cima del éxito a nivel nacional, Perkins tuviera un grave accidente de coche. Ocurrió el 21 de marzo de 1956 cuando viajaba junto a su grupo a participar en un programa de televisión de Ed Sullivan que servía de trampolín a muchos artistas. En el accidente, ocurrido en Wilmington, fallecieron su hermano Jay y su manager. Perkins sufrió una fractura de cráneo que lo mantuvo fuera de la música todo un año. Durante su convalecencia, Perkins sólo pudo ver como su amigo, Elvis Presley, obtenía un enorme éxito cantando su misma canción.
La Versión
Intencionadamente o no, la versión de Elvis robó el éxito inicial de Perkins, y él nunca alcanzó otro nuevo éxito, incluso después de su marcha a la Columbia Records en 1958.
Sus canciones versionadas
Sin embargo, sus canciones fueron escuchadas por el público, en la interpretación de otros grupos como los Beatles, que grabaron los temas "Matchbox", "Honey Don't" y "Everybody's Trying To Be My Baby".
En 1968, Johnny Cash alcanzó, con la canción escrita por Perkins "Daddy Sang Bass", el número 1 en las listas de música country. Perkins pasaría una década de giras con los Cash. También realizaría giras con sus hijos Stan y Greg.
En 1982, Perkins colaboró en el álbum de Paul McCartney Tug Of War, haciendo dúo con el ex Beatle en la canción "Get It".
El Resurgir
Con el resurgir del rockabilly en los años 80 la estrella de Perkins volvió a brillar de nuevo. En 1985, Perkins regrabó su "Blue suede shoes" acompañado de dos miembros de los Stray Cats, como parte de la banda de música para la película "Porky's Revenge".
Al siguiente año, George Harrison, Eric Clapton y Ringo Starr aparecieron con él en un especial para la televisión grabado en Londres, titulado Carl Perkins and Friends: A Rockabilly Session (Carl Perkins y amigos: Una Sesión de Rockabilly).
Su retorno
También en 1986, volvió a los estudios de la Sun en Memphis, junto a Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Roy Orbison en el álbum Class of '55. El disco era un tributo a sus años en esa discográfica y, específicamente, al grupo Million Dollar Quartet formado por Perkins, Presley, Jerry Lee Lewis y Johnny Cash que realizaron sesiones improvisadas, hoy ya clásicas, que fueron grabadas el 4 de diciembre de 1956.
Sus reconocimientos
En 1985 lo incluyeron en la Nashville Songwriters Hall of Fame y en 1987, el reconocimiento de su contribución a la música le vino al incluirle en el Rock and Roll Hall of Fame, un museo dedicado a los artistas más influyentes del rock and roll. Su "Blue Suede Shoes" fue elegido como una de las 500 canciones más famosas del rock and roll y se le concedió un Grammy especial a su relevancia histórica.
Su último album
Su último álbum, Go Cat Go!, fue lanzado en 1996 y en el mismo colaboraron muchos de los artistas ya nombrados junto a otros nuevos como Paul Simon, John Fogerty, Tom Petty y Bono.
Muerte
Carl Perkins murió a la edad de 65 años a causa de un cáncer de garganta después de sufrir varios ataques.



Carl Perkins - The Best of Carl Perkins

lunes, 22 de diciembre de 2008

Hüsker Dü - Candy Apple Grey (1986 USA Punk Rock)

Superfurry envia:
Complementando el envío del compañero mendi del New Day Rising de Hüsker Dü os dejo su Candy Apple Grey, que sería el primero en salir al mercado tras el salto del grupo de la independiente SST a la major Warner Bros. Este disco supondría el paso del sonido hardcore anterior al más suavizado que posteriormente vendría a llamarse rock alternativo y en el encontramos clásicos del grupo como Don't Want To Know If You Are Lonely o Sorry Somehow, ambos compuestos y cantados por el batería Grant Hart.

Que lo disfrutéis.


Hüsker Dü - Candy Apple Grey (1986 USA Punk Rock)

Aynsley Dunbar - Blue Whale (1970 UK Prog)

Kikas envia:
Aynsley Thomas 'The Hawk' Dunbar, talentoso baterista Ingles que nacio el 10 Enero del 46, en Liverpool, comenzó a tocar violín, pero más tarde cambió a la batería.

Sus capacidades como baterista que es, son acojonantes pués tiene la capacidad de tocar perfectamente muchos estilos diferentes, como el jazz, el blues, el rock, el progresivo y hard rock, habiendo trabajado con algunos de los principales nombres del rock, incluyendo a John Mayall (entró en el grupo en Septiembre del 66 para reemplazar a Hughie Flint, y ha tocado en algunos discos como Hard Road, Looking Back, London Blues, Thru The Years), Jeff Beck (se unió al grupo en Abril del 67 y salió en Agosto del mismo año, solamente figura en Truth y en la box Beckology), Frank Zappa (figura en álbumes tales como Uncle Meat, Chunga's Revenge, Fillmore East, 200 Motels, Just Another Band From LA, Waka/Jawaka, The Grand Wazoo, Apostrophe y mas alguno), Lou Reed (Berlin), Herbie Mann (London Underground), Michael Chapman (Rainmaker), David Bowie (Pin Ups, Diamond Dogs), Journey (entró en Febrero del 74 para reemplazar a Prairie Prince que iba para los The Tubes, y ha tocado en algunos discos tales como Journey, Look Into The Future, Next, and Infinity, para luego dejar la banda en Noviembre del 78 y trasladar a Jefferson Starship), Jefferson Starship (entró en el grupo en finales del 78, y ha tocado en algunos discos tales como Freedom At Point Zero, Modern Times, Winds Of Change), Whitesnake, Sammy Hagar, y muchos mas.

Como no podria dejar de ser, hay algunos hechos, leyendarios o no, que son de mencionar, tales como :

- Se suponía que él iba a ser el batería en un trío con Keith Emerson y Greg Lake.
Igual se suponía que iba a ser el baterista original en Asia ... pero como todos sabeis, ambos puestos de trabajo se dio a Carl Palmer;

- Fue casi el baterista de The Jimi Hendrix Experience, cuando en una audición Hendrix fue incapaz de decidir, entre Dunbar y Mitch Mitchell;

- Aynsley fue elegido para ser el baterista en Armageddon (banda formada por Martin Pugh y el difunto Keith Relf), pero acabara de firmar con los Journey;

- También hizo algún concierto con bandas famosas, como la Bonzo Dog Band (una vez con Keith Moon), o Hot Tuna.

Este disco, Blue Whale, tiene un estilo progresivo, con largas canciones al estilo de jam.
Sin embargo, Aynsley disuelta la banda esta, cuando recibí una llamada de Frank Zappa para unirse a sus tropas.
Coincidentemente, el álbum aqui posteado, contiene una versión larga de "Willie The Pimp" del Hot Rats de Zappa.

A disfrutar pipol



Aynsley Dunbar - Blue Whale (1970 UK Prog)

Horslips - Best Tracks (1999 Ireland Celtic Rock)

Antxonin envia:
Horslips were a 1970s Irish rock band that composed, arranged and performed their music based on traditional Irish jigs and reels. They were one of the first, if not the first, of the Celtic rock. Formed in 1970, they disbanded in 1980, although in 2005, the original line-up has regrouped and performed a small number of gigs.

Horslips were one of Ireland's leading rock groups of their era, although their success overseas was mixed, they came to be regarded as one of the defining bands of the Celtic rock genre, with a revival of interest in their music in the late 1990s, among a whole new generation of fans.

Barry Devlin, Eamon Carr and Charles O'Connor met up when they worked at a graphics company in Dublin. They were cajoled into pretending to be a band for a beer (Harp Lager) commercial but needed a keyboard player. Devlin said he knew a Jim Lockhart that would fit the bill. They enjoyed the act so much that they decided to try to do the rock thing properly. They hooked up with guitarist Declan Sinnott, a colleague of Eamon Carr's from Tara Telephone and Gene Mulvaney (briefly) to form Horslips (originally Horslypse) in 1970. The name originated from a spoonerism on The Four Horsemen of the Apocalypse which became "The Four Poxmen on The Horslypse".

They went professional on St Patrick's Day 1972 having shed Mulvaney and released a single, "Johnny's Wedding", on their own record label, Oats. Declan Sinnott left soon after, primarily due to his annoyance at the group appearing in an advert for Mirinda orange drink (shot in The People's Park in Dun Laoghaire in Easter 1972) and was replaced by Gus Guest briefly, then Johnny Fean.

Horslips designed their own artwork, wrote sleeve-notes and researched the legends that they made into concept albums. They had their own record label and licensed the recordings through RCA for release outside Ireland. They kept their base in Ireland, unlike previous Irish bands.

In October 1972 Horslips went to Longfield house in Tipperary and recorded their first album, Happy To Meet, Sorry To Part, in the Rolling Stones Mobile Studio. They then released another single, "Green Gravel". On the first album the melodies were mostly traditional. Jim Lockhart was on keyboards and gradually mastered other instruments including uillean pipes. Eamon Carr was on drums, including the Irish bodhrán. Happy To Meet, Sorry To Part was the fastest-selling album for 8 years in Ireland.

The Abbey Theatre in Dublin asked the band to provide the background for a stage adaptation of "The Táin". They leapt at the opportunity. "Táin Bó Cúailnge" (The Cattle-Raid of Cooley) is a tenth-century story written in Old and Middle Irish. It tells of an ancient war between Ulster and Connaught. The Táin was released in 1973 and had more original material alongside the traditional tunes, and greater emphasis on rock. In the same year a single, "Dearg Doom", went to number one in Germany.

Dancehall Sweethearts followed in 1974, and also balanced folk with rock.Their fourth album, The Unfortunate Cup of Tea, drifted toward pop music and was a disappointment by comparison.RCA ended their funding deal for the group in 1975. The group funded their next venture themselves and went back to basics. Drive The Cold Winter Away (also 1975) was their most traditional album to date. They signed with DJM Records worldwide through A&R man Frank Neilson. The Book of Invasions: A Celtic Symphony (1976), like The Táin, was an adaptation of Irish legends built into a complex story. It went further into rock than any previous Horslips album. It is usually considered their best work. It was their first UK top-40 album since The Táin.

Ever ambitious, they now tried to make it in the United States. They brought in Jim Slye to become their manager. He later sold their publishing rights to William McBurney for £4,000. In 1977 they produced Aliens, about the experience of the Irish in nineteenth-century America, which included very little folk music. They toured Britain, Germany, Canada and the United States. The night that they played the Albert Hall in London was described by one critic as the loudest gig there since Hendrix. The Man Who Built America (1978 ), produced by Steve Katz of Blood, Sweat and Tears and Blues Project fame, concerned Irish emigration to the USA and was commercially their most successful album. The heavier sound did bring some acceptance in America but they lost their folk base and their freshness. Short Stories, Tall Tales (1979) was their last studio album and was panned by the record company and critics alike.



Horslips - Best Tracks (1999 Ireland Celtic Rock)

Pierced Arrows - Straight from the Heart (USA 2008 Garage-Punk)

Javisaxonjr. envia:
Uffff!...tras la repentina disolución de Dead Moon el año pasado, muchos pensábamos que significaría la jubilación (bien merecida) del matrimonio Cole, formado Fred & Toody. Pero una vez más vuelven a la carga y nos sorprenden con este nuevo proyecto que sigue la misma estela dejada por Dead Moon...garage-punk de tintes lo-fi y de una intensidad en la interpretación que asusta.
Total, que en menos de 6 meses ya estaban de vuelta en la carretera y recorriendo medio mundo para presentar sus nuevas canciones. Es increible la entrega y pasión que ponen en cada uno de sus proyectos y es que la vida, tanto profesional como familiar, de esta pareja es digna de admiración. Desde aquí recomiendo el Documental que se hizo sobre Dead Moon en el 2006, titulado "Unknown Passage", donde se hace un repaso completo de la vida de la banda y de Fred Cole, desde su más tierna adolescencia hasta la actualidad. Parece increible que una persona haya estado sin parar desde el año 66 hasta hoy en tan numerosas bandas (Lollipop Shoppe, Zipper...y un sinfín más) y jamas intentar salir de sus principios...simplemente viviendo la música como un estilo de vida.
Así es que preparaos para una descarga de sinceridad y pasión por parte de una de las bandas que van a formar parte de la historia del Underground...God save Dead Moon!!!


Pierced Arrows - Straight from the Heart (USA 2008 Garage-Punk)

Van Morrison - Hymns To The Silence (2 CDs - 1991 - UK BLUES-ROCK-FOLK)

Januca envia:
Os regalo para los oidos este doble álbum del León de Belfast, Van Morrison y, que ha sido ripeado de mi CD original, y que ocupa y ocupará un puesto preferencial eternamente en mis estanterías. Ciertamente era una asignatura pendiente desde mis inicios en 1PocodMúsica, allá por los comienzos del año 2006, pero que por causas, unas por poca inspiración y otras por dar preferencia a otros albums, siempre se quedaba como algo pendiente. Y ahora que me decido, lo ripeo a formato APE con completo ARTWORK.
Era el año 1991, año de la publicación de este cd, cuando un amigo me regaló una cinta grabada de este álbum, y fue tal el puntazo que puedo asegurar que es el disco que más he pinchado en mi vida, asimismo que produjo un giro muy importante en mis preferencias musicales. Tanto me gustó que años más tarde lo compré en original y ahora he creido oportuno que era el momento de ofrecerlo a todos estos magníficos amigos de este edén musical, tanto a los que ya conocían de su existencia o incluso lo poseían en original como a las nuevas generaciones que nos visitan y lo desconocían.
Destacar que el envio está dedicado a mi amigo Yerma, porque se lo merece, tras su grandioso y trabajoso quehacer con el ripeo de todos mis vinilos, que en absoluto ha sido una cosa sencilla y vosotros mismos lo habeis podido comprobar con el excelente resultado conseguido que os hemos entregado con mis vinilos. Chapeau Yermass! Y Gracias! Una vez Más! Mi emoción supera toda barrera posible, mi tarea llegó a su cometido, el álbum es el premio conseguido. Que os deleite! Saludos.

Descripción
Lanzamiento del León de Belfast, Van Morrison, que en esa etapa de su carrera era toda una sorpresa y, sin embargo ésta llegó con este doble DC, fin que se convirtió en algo grandioso , fué algo asombroso. Morrison tenía mucho que contar en 1991 sobre su niñez y su fe; y mucho de esto se plasmó en este álbum y de una manera mucho menos indirecta de la que nos tenía acostumbrado. El diálogo narrado en “On Hyndford Street” es intensamente personal y relevante. Por una vez, escuchábamos los pensamientos de Morrison . Morrison tiene en un lugar destacado su religión pero en este fascinante album él se negó a predicarla. Georgie Fame siguió añadiendo familiaridad al sonido en éste álbum de Van, el cual creo que es el mejor álbum de Morrison en muchos años, muchos años. Un álbum opus magnum donde el talento de Morrison alcanza alturas alucinantes. El álbum impresiona en muchos niveles: la ingenuidad lírica, la belleza melódica, arreglos inteligentes y sobre todo toda la experta maestría de muchos diferentes estilos musicales: folk, country, rock, jazz, etc.
Aunque cada tema es memorable, entre mis favoritos están I´m Not Feeling It Anymore con sus galopantes ritmos y fluidas melodías, la rockera Ordinary Life, una socarrona observación de la vida, la desenfadada y jazzista So Complicated y la auténtica y maravillosa canción country I Can´t Stop Loving You, una joya de canción.
Visiones muy personales en temas como Professional Jealousy y Why Must I Always Explain que aportan estilos de sentimiento folk, especialmente el segundo con su melódica línea hipnótica. Quizás el momento más esplendoroso lo tenemos con Be Thou My Vision, un himno extraordinariamente poderoso que hace de éste una de las mejores descripciones del éxtasis espiritual de Van. Excelente.
El tema que da título al álbum está entre mis preferidos, Hymns To The Silence, es una pasada de tema, es apasionante, no puedo describir con palabras lo que siento al escucharlo, es un himno relajante, ciertamente extraordinario, es como si estuvieras sintiendo en tu piel el olor que desprenden los campos verdes irlandeses, el frescor que desprenden los riachuelos con sus pulcras aguas cristalinas , el sabor de la buena cerveza, es algo sobrenatural lo que se siente al hacer su escucha. Un simple pero fascinante órgano acompañando a Van os deleitará.
Otro tema que me fascina es Quality Street. Igualmente el órgano es el protagonista junto a la asombrosa voz de Van muy bien conducida en un estribillo genial que os quedará memorizado, retenido en vuestro interior. Inmejorable.
See Me Through es un tema más movido pero con pedazos de un góspel tradicional y el que más se asemeja en su sonido a la época de Astral Weeks. Take Me Back con su nostálgica harmónica le da un toque elegante a este gran álbum.
It Must Be You es un bello y tranquilo tema con toques folk, bien acompañado con un saxo extraordinario y con unas voces de Van mágicas, prodigiosas. Precioso.
Tras dos temas de una gran paz y relajación exquisita y, con un Van hablando más que cantando en ambos temas, relatándonos historias de su niñez, Some Peaces Of Mind y Pagan Streams. El álbum acaba con el tema Green Mansions, el cual es otro impresionante tema donde Van nos narra cómo eran los paisajes, las calles y los juegos donde este grandioso intérprete jugaba de niño.
“Hymns To The Silence” es un album lleno de genio y comparable a otros trabajos suyos como Astral Weeks, Moondance y Tupelo Honey , entregando una gran variedad de cada uno de ellos. Cada tema aquí es de una especial calidad y los diversos estilos musicales con que nos encontramos lo hacen ser una experiencia maravillosa y una escucha atrayente. Casi toda la música de Van Morrison es merecedora de investigar. Este es excelente, igualando a esos buenos habituales trabajos a los que nos tiene acostumbrado. Encontramos temas asombrosos, que capturan ejemplarmente esa belleza que Van hace con su música. Algunos temas como “By His Grace” o “Hymns To The Silence son imponentes, para inspirar hondo! Y “Carrying The Torch” es magnífico también. Un excepcional álbum de un artista excepcional, para no perdérselo.
En definitiva una obra de arte, un álbum musthave conducido por un artista que sigue todavía estando en la brecha y que gracias a esa mezcla de divino y mal humor nos regala auténticas joyas musicales para nuestro deleite. Merece la pena que lo comprobéis por vosotros mismos. Os capturará. Saludos a todos.



Van Morrison - Hymns To The Silence (2 CDs - 1991 - UK BLUES-ROCK-FOLK)

miércoles, 17 de diciembre de 2008

NATURALEZA Y ALGO MAS vol. 3-2008

Coscolin envia:
NATURALEZA Y ALGO MAS VOL. 3
Parece que fue ayer cuando se abrió el primer hilo y ya vamos por el VOL. 3
PREPARAD LAS PALOMITAS Y REFRESCOS y no olvidéis el babero.
El 1º fue sencillo, el 2º un poco mejor y este es la leche.
Sistema: PAL A 16:9 duración : 1:55:30 minutos
He ido aprendiendo al tiempo que evolucionaba todo, todos sabéis lo complicado que resulta cuando se desconoce el programa con el que trabajas, sin embargo sabes de las muchas posibilidades que tiene y eso unido al interés que le pongas obtienes resultados poco a poco con no poco esfuerzo y echándolo un buen puñado de horas.
Yo he aprendido bastante del MAGIX VIDEO DELUXE que es el programa que he usado.
Esta vez cada foto una de las fotos tiene una transición, algunas efectos de video e incluso movimiento otras, en un intento de darles vida propia a las fotos y hacer de este DVD algo divertido y ameno. Incluso a las canciones les he dado un ligero tratamiento para que el sonido sea de alta fidelidad, es una posibilidad que tiene este programa, he intentado también NORMALIZAR las canciones pues los niveles de grabación son en cada disco de su padre y de su madre, creo haber conseguido en gran medida esto.
El tiempo de exposición de las fotos varía un poquito de unos a otros en función de la cantidad de fotos, pues hay que adaptarlo a las canciones
Cada capítulo echo individualmente y con la música elegida por cada uno de nosotros, cada capítulo que tiene más de una canción esta a su vez capitulado, esta después montado en un creo que bonito menú con TMPGEnc DVD Author 1.6.
el menú dura 3 minutos que es lo que dura la canción y se repite hasta que se elije ver un capitulo en concreto o verlo todo.las fotos usadas para el video del menú no son nuestras pero son espectaculares y de gran colorido para el fondo.
El capítulo de los créditos esta vez esta muy chulo, además de leer las canciones usadas por cada uno podréis ver y oír un video de fondo que creo que a todos os gustará, me pareció original hacerlo así , no os lo perdáis.
Contiene también la caratula y la B.S.O. para el que quiera hacérsela en audio
Gracias a todos por la colaboración ya que TODOS los que aparecen en este DVD me han enviado fotos y música a muy buena calidad y así da gusto trabajar al pensar en el resultado.
Espero que os guste y espero un comentario al menos de cada uno, sea bueno, malo o regular.
Para el de Fito he puesto 4 de las fotos que ya aparecieron en el anterior pero al mandrme todas a buena calidad las repito y con las de Javirunner me he permitido un pequeño juego para poner 8 fotos en dos minutos ,ya lo vereis
Coscolin 2008 para 1pocodmusica
Si os gusta y seguís colaborando hacemos el 4º.



NATURALEZA Y ALGO MAS vol. 3-2008

Lighthouse - Sunny Days Again-The Best Of (1998 Can Swing Rock)

Antxonin envia:
Lighthouse: where rock meets big band swing. Lighthouse was formed in 1968 in Toronto, Canada by composer Paul Hoffert and drummer Skip Prokop. The Band originally consisted of 13 members including a horn and string section which when melded with the rock sound created something completely new and forged itself as a new genre, swing rock. The original band members included: Skip Prokop - drums and vocals, Paul Hoffert -keyboards and vibe, Ralph Cole - guitar and vocals Grant Fullerton - bass and vocals, Pinky Dauvin - percussion and vocals, Ian Guenther - violin, Don Dinovo - violin and viola, Don Whitton - cello, Leslie Schneider - cello, Freddy Stone - trumpet and flugel, Arnie Chycoski - trumpet and flugel, Howard Shore - alto sax, and Russ Little - trombone.

Their first album, the self-titled album LIGHTHOUSE was released in 1969 by RCA from their Toronto East Sound Studio. This Album was well received by critics but obtained small commercial success. Hits from this record included “Mountain Man” and “Eight Miles High.” Next up came the album SUITE FEELINGS also recorded in 1969 at RCA’s Toronto East Sound Studio. This album featured a cover of the Beatles hit “ A Day In The Life.” The last Album with RCA starred a new lead singer Mike Lipskin, this was a choice by the sound manager for RCA. The Album: PEACING IT ALL TOGETHER was not recorded in Toronto but in RCA’s New York studios.

In the bands next stage of recordings, they switched to the record label GRT and Toronto’s Thunder Sound Studios. Along with this label change came a large change within the band with only five of the original members still remaining, the most notable change was a new lead singer in Bob McBride. Lighthouse went on to create ONE FINE MORNING in 1970 and THOUGHTS OF MOVING ON in 1971. The title track from ONE FINE MORNING was an International and American hit. Other notable songs on this album include “ Hats Off Stranger” and “ Love Of A Woman.” Their Next album THOUGHTS OF MOVING ON with the hits “Take It Slow”, “I Just Want To Be Your Friend”, “Rocking Chair” and “Insane.”

During this period of recording from 1970-1971 with GRT, RCA piggybacked the success of Lighthouse and released a best of album of the first three records recorded with RCA called ONE FINE LIGHT.

Live, the first platinum selling record for a Canadian band ever, this album was recorded live in front of a sold out crowd at Carnegie Hall.

After a short hiatus the band came back with the album SUNNY DAYS from GRT. This again obtained the gold standard and was dubbed the summer of ‘72 album. Without McBride their next album came out of New York’s Thunder Sound Studio titled CAN YOU FEEL IT? in 1973. This up beat album included tracks such as “Pretty Lady” and “Set The Stage” , these tracks came with mixed reviews. This album was the first stepping stone to the downturn of Lighthouses popularity. Again back at Thunder Sounds Recording Studios, the band now a fragment of its former self with no lead singer and without many of the cornerstone musicians turned a few tracks on an album before Prokop left and the band fell into disarray. The Album was never completed. GRT fearing the end of Lighthouse released THE BEST OF LIGHTHOUSE to capitalize on the past success of this great band.

Denon records in 1989 bought the rights to the GRT recordings and released Best of LIGHTHOUSE-SUNNY DAYS AGAIN as well as LIGHTHOUSE LIVE REMASTERED.

These albums sparked the interest of the public and with this rebirth of popularity the band went on a reunion tour in 1993. Three years later they put out their final album to date, SONG OF THE AGES. This album did not produce any major hits but was a solid listening album and proved these old guys could still rock.

In total Lighthouse released 13 records. Nine of their albums reached gold and three reached the platinum standard.



Lighthouse - Sunny Days Again-The Best Of (1998 Can Swing Rock)

Martha Veléz - Fiends & Angels (1969 UK Rock)

Kikas envia:
Pué eso,
Que se puede decir de un disco que tiene mas de diez de los considerados "famosos"??
Antes de todo, es un disco sencillo, sin trucos, nada de progresivo, pero mucho rock del puro.
Martha Veléz, es una cantante de origen american, descendiente de Puerto Riqueños, que ha empezado muy temprano a cantar en la escuela, tan solamente con 5 años.
A sus 12 años, ha vencido un concurso de opera en su escuela, como mezzo-soprano.

No se si la chica esta, es alguna cosa a Jerry Velez, un de los dos percusionistas que acompañarón al grande Jimi en Woodstock (el otro percusion, fue el negro Juma Sultan), pero también no interesa.

Participarón en este disco :

Jack Bruce
Eric Clapton
Christine McVie
Brian Auger
Jim Capaldi
Mitch Mitchell
Chris Wood
Stan Webb
Johnny Almond
Paul Kossoff
Spit James
chris Mercer
Duster Bennett
Rick Hayward


entre otros mas.


Espero que sea de vuestro agrado




Martha Veléz - Fiends & Angels (1969 UK Rock)

HÜSKER DÜ - New Day Rising (1985 USA Punk Rock)

Mendi envia:
Husker Du nace en 1979 formada por el guitarrista Bob Mould, el bajista Greg Norton y el baterista Grant Hart. Bajo la influencia del punk pop de The Buzzcocks, el trío decidió aplicar una fórmula similar a la de los británicos: utilizar tonadas pop mezcladas con el punk.
En 1985 Husker Du lanza el disco New Day Rising, un trabajo lleno de potencia y cuidadosas melodías punk, en donde el guitarrista Bob Mould y el baterista Grant Hart, los dos cerebros detrás de las composiciones del grupo, dieron el máximo de su potencial.Este tercer disco en la trayectoria de Husker Du sentó los cimientos de lo que sería el rock alternativo de los años posteriores.
Después de la salida de New Day Rising, el conjunto lanzó otros tres LP’s, llegando incluso a firmar con el sello Warner en 1986. Uno de los puntos fuertes de este disco es el sonido, un auténtico muro de sonido (Bob Mould, en una entrevista, puntualizó que prefería la definición una cama de clavos) de vigorosas guitarras distorsionadas pero melódicas (y no nos olvidemos de los abrasivos solos de guitarra de Mould), con cambios de ritmo y tempo durante la canción, sin que tan apenas se perciban, de hecho siempre fueron muy sutiles, es difícil asumir que hicieron tantas canciones en tan poco tiempo, porque da la impresión, al escuchar discos como este, que la grabación vino después de un largo proceso de selección de los elementos más adecuados.
Pero las drogas y la rivalidad entre Bob Mould y Grant Hart provocaron la separación de HUsker Du en 1987, dejando detrás de sí algunos de los mejores registros de punk pop de la historia.


HÜSKER DÜ - New Day Rising (1985 USA Punk Rock)

lunes, 15 de diciembre de 2008

Hammer - Hammer (1970 USA Bay Area Rock)

Kikas envia:
Los Hammer fueran un grupo que se formarón en San Francisco en 1969, y que rapidamente han firmado con el sello de Bill Graham, sello, San Francisco Records (perteneciente al sello Atlantic Records), bien como para una série de primeras partes de conciertos en los leyendarios Fillmore (los dos, el West y el East).
Cualquier uno que esté esperando escuchar un grupo típico de sonido idéntico al sonido psicodélico de los inícios de 70 de San Francisco, esta equivocado.

Este su único disco, que nunca fue editado en CD, salió el 70 (y no 1971 como indico en la carpeta), y es una mezcla de pop, rock, clásica (ejemplo es Pain And Tears), e incluso algunos interludios de jazz (como la Sweet Sunday Morning).

Formados por el acojonante compositor y cantante John DeRoberts, ténia aún el baterista ya fallecido (2004) y que fue fundador de los L.A. Express, John Guerin (habia tocado ya con Zappa, Mike Wofford, Tom Scott, Thelonious Monk, Ponty y aún The Monkees, entre otros), el tecladista Norman Landsberg (mas tarde com The Pointer Sisters), el bajo Richie McBride, y por fin el guitarrista Jack O’Brien (falecido el 88 com tan solo 36 años).
Me gustaria referir aún, la voz de DeRoberts que en algunas canciones, puede acuerdar a Steve Perry, cantante de los Journey, bien como por veces llegar hasta las notas mas altas.

Para mi, fué todo un descubrimiento muy agradable, conocer a esta banda que aún grabarón un segundo disco, pero desafortunadamente no ha visto nunca la luz

No quiero dejar de decir que fue gracias a midnightsun, un usuário del foro prognotfrog, que he conocido a esta banda … por eso, le doy mil gracias bien como le agradezco el hecho de haberme ofrecido este vinilo, que sigo escuchando com las mismas ganas como se hubiese sido ayer por primera vez.

Disfrutenlo


Hammer - Hammer (1970 USA Bay Area Rock)

LEO SAYER - Just A Boy (1974 UK Pop Glam)

Mendi envia:
Siendo el autor de canciones como "When I Need You", "Easy to Love" ó "You Make Me Feel Like Dancing", (que aunque algunos hayamos bailado en más de una ocasión, en nuestras correrías por las discotecas. No debemos olvidar que algunos somos de la generación de fiebre del sábado noche, en cuanto a que era la forma de entonces de salir a pasarlo bien de vez en cuando; aunque luego en privado escucháramos cosas como los Rolling), y siendo canciones más bien denostables por nuestro gusto musical (en cuanto busquemos algo de más calidad), Leo Sayer tuvo la oportunidad de brindarnos antes algún disco de acercamiento al Glam, producidos por Adam Faith y con colaboración en la composición de David Courtney.

La voz de Sayer intensa, capaz de recorrer las escalas sin dificultad, enérgica y trágica refuerza las canciones.
Su primer LP fue una de las sorpresas del momento Glam, en el que le metieron por ir maquillado como un arlequín, pero lo mejor llego con este "Just A Boy", sensible, con una contraportada en la que reniega de la anterior imagen que usaba. Con la colaboración de músicos diferentes para cada canción, conducido por el piano de Courtney, "One Man Band" se usa de single y obtiene resultados satisfactorios, no es de extrañar, porque es pop perfecto, con la voz rasposa de Sayer. Ya al comienzo promete con "Telepath" a base de piano, arropado por violines, falsetes y fuerza vocal a raudales, bestial; luego "Train" es casi music hall o dixieland, exagerada; "When I Came Home This Morning" es una balada fortalecida por su voz y en "Long Tall Glasses" el banjo presenta algo de country. Deslumbrante.



LEO SAYER - Just A Boy (1974 UK Pop Glam)

Ray Davies - Working Man's Cafe (UK 2007 Rock.wv)

Javirunner envia:
Segundo, o tercer disco, segun se mire, en solitario del ex lider de los Kinks despues del "Other peoples life". No se si ha superado en calidad al primero ya que sigue las mismas pautas. quizas el sonido se acerque algo mas al clasico de Kinks, sobre todo en algunos temas como “You’re Asking Me” o “Morphine Song”, pieza con unos buenos coros y regusto setentero. No es "Arthur", pero para los fans de los Kinks es obligada su escucha, y como con la mejor musica, a mas escuchas, mejor sabor.

Ray Davies took his time crafting his first full-fledged solo album Other People's Lives, delivering it in 2006 -- a full 13 years after his last collection of original material, the Kinks' final album Phobia. Such a long gestation period seemed justified, as the album was an exquisitely written set of short stories that benefited from such exacting attention to detail, yet the length of time between Phobia and Other People's Lives also suggested that Davies would not be returning with his second solo album anytime soon. As it turns out, that wasn't the case: Davies hammered out his second album, Working Man's Café, with a speed recalling the '60s and '70s, when new Kinks albums arrived every year. Appropriately for its quick turn-around, Working Man's Café is a looser, edgier record than its predecessor -- there's polish, but the guitars and rhythms jump, there's a vitality to the performances and the songs themselves bristle with contemporary headlines, bearing references to the vanishing middle class, internet isolation, and New Orleans, the site of both Hurricane Katrina and where Davies was shot and hospitalized after defending a female friend from a mugger. Ever the contrarian, Davies doesn't dwell on his own troubles, they're weaved into part of a tapestry of vignettes of a world gone awry -- a common theme in his work perhaps (this is someone who pined for the village green in the midst of the psychedelic revolution), but such ornery nostalgia has fueled much of Davies best work, as it does here. Far from being an angry, impassioned screed against a world gone wrong (turn to Neil Young's Living with War for that), Davies writes with his signature wry, cynical eye, balancing his weary resignation with a sly wit. The songs have more bite than those on Other People's Lives, as do the performances, which makes Working Man's Café more immediate than its predecessor, yet it benefits from repeated plays as well, as those subsequent spins reveal that these 12 songs are as finally honed as those on Other People's Lives. And having these two albums arrive so quickly is proof that Ray Davies is back as a working songwriter, which is something to be celebrated.





Ray Davies - Working Man's Cafe (UK 2007 Rock.wv)

sábado, 13 de diciembre de 2008

MANFRED MANN - The Singles In The Sixties (1997 UK Pop R&B)

Mendi envia:
Recopilatorio de Singles de los británicos Manfred Mann, un magnífico quinteto practicante de un estilo R&B con retazos jazz que se notaba más en sus larga duración. En los Singles se decantaban más por temas pop.

Tanto en su primera etapa con Paul Jones como cantante como cuando era Mike D'Abo quien ocupaba el puesto de vocalista, supieron siempre escoger grandes y reputados compositores para sus canciones, nombres como las parejas Goffin/King y Greenwich/Barry, Tony Hazzard o Bob Dylan.


Aunque con escasa frecuencia, también supieron escribir material propio, como así lo demuestran "5-4-3-2-1", 1964 (canción elegida como sintonía del programa de televisión "Ready, steady, go!"), tema escrito por Hugg, Jones y Mann, que llegaría al numero 5 en Gran Bretaña. "Hubble Bubble (Toil and Trouble)", 1964, nº 11 co-escrita por HUgh y Jones, o "The one in the middle", todas ellas incluidas en este disco.

Inolvidables sencillos como sus tres únicos números 1, "Do wah diddy diddy", 1964, nº 1 en casi todo el mundo, incluido los Estados Unidos. "Pretty Flamingo", 1966, compuesto por Mark Barkan en el que sonaba el bajo de Jack Bruce, quien dejaría pronto el grupo para fundar CREAM junto a Eric Clapton y Ginger Baker y "Mighty Quinn",1968, de Bob Dylan y primer nº 1 cantado por Mike D'Abo; junto a otros éxitos considerables como "Sha La La", 1964,nº 3 De origen Soul y compuesta por Robert Mosley y Robert Taylor.
"If you gotta go, go now", 1965, nº 2 de Bob Dylan, la memorable "Oh no not my baby", (nº 11), "Come tomorrow", nº 4 (con una de las mejores interpretaciones de Paul Jones), "My name is Jack" nº 8 de 1968, "Semi-Detached suburban Mr. James", nº2 de 1966.
"Ha! Ha! Said the clown", ( nº 4) compuesta por Hazzard, "Ragamuffin Man" (su último y sensacional single) de 1969 compuesto por Mitch Murray y Peter Callender y que supuso el fin de la banda.

A pesar de todos estos exitos Mann no estaba contento con el predominio Pop de las composiciones y de que fuesen compositores ajenos a la banda los encargados de escribir los singles y finiquita el grupo para fundar Manfred Mann Chapter Three y más tarde Manfred Mann's Earth Band.

"Fox on the run", 1968 (nº 4) además de otras estimables y más desconocidas piezas como "There's no living without your loving" y "You gave me somebody to love" (primer sencillo cantado por D'Abo) son buena parte del contenido de esta apetecible recopilación de una de los más recordados integrantes de la famosa e influyente Invasión Británica, punto de partida de la explosión pop a nivel internacional.



MANFRED MANN - The Singles In The Sixties (1997 UK Pop R&B)

Jerry Lee Lewis - The best of Jerry Lee Lewis

Babelain envia:
Estamos ante uno de los personajes más carismáticos, salvajes y rebeldes de la escena del rock’n’roll de los años 50’ y de los más influyentes en la música que vendría después. Aprendió desde muy pequeño a tocar el piano y ya demostró desde su tierna infancia su rebeldía al ser expulsado de un colegio religioso (donde le habían inscrito sus padres) por interpretar temas del repertorio góspel a ritmo de boogie boogie. Influido por el góspel, jazz, r&b, country, etc. Comenzó su carrera de compositor e intérprete que le llevaría a ser uno de los mayores exponentes del género. En su vida privada también fue un “prenda” de mucho cuidado; se caso un par de veces, antes de casarse con su prima de “13 añitos”, lo que le proporcionó serios problemas de cancelación de giras por el Reino Unido y censura de sus discos en U.S.A. Dejando a un lado su vida sentimental, que aún daría mucho jugo, Jerry Lee dio un giro a su carrera hacia los años 60, decantándose por el country, estilo en el que destacaría con ventas considerables. Aparte de sus problemas con el alcohol y otras drogas y sus problemas familiares (se casó varias veces más y algunas de sus mujeres terminaron perdiendo la vida de formas traumáticas) Jerry Lee Lewis comenzó a ser valorado a mitad de los años 80 y ya nadie discutió su importancia en la historia de la música moderna.

Mas información:
Nació en Ferriday, Louisiana. Pronto mostró un talento natural al piano. Aunque pobres, sus padres hipotecaron la casa para comprarle un piano.
Al igual que Elvis Presley, creció cantando música gospel en las iglesias pentecostales del sur. Empezó a tocar el piano a muy temprana edad en su iglesia, y en 1950 empezó a asistir a una escuela de lectura de biblia de Texas, pero fue expulsado por, entre otras cosas, tocar en la iglesia himnos religiosos en versión rock and roll como My God is real y fugarse a Dallas a fiestas y prostíbulos.
En sus primeros años de adolescencia concurría a los llamados Ghettos (barrios marginales) a escuchar a auténticas leyendas del blues. Aderezó su interés y empezó a tocar en garitos de mala reputación, ocultándoselo a sus padres, adquiriendo así experiencia y afianzándose económicamente. Entre estos hechos y la vida familiar religiosa se empezó a formar la personalidad de Lewis.
En 1954 grabó su primer disco, dejando atrás la música religiosa, pero llevando su sonido y su talento al piano a la música que se estaba desarrollando en esos tiempos.
En 1957 Lewis se unió a Sam Phillips en su estudio Sun Records de Memphis, Tennessee. Elvis Presley, Roy Orbison, Carl Perkins y Johnny Cash también empezaron sus carreras en Sun Studios en esa época.
La primera grabación de Lewis en los estudios Sun fue una versión de la balada country Crazy Arms. En 1957, su piano y el sonido de rock de Whole Lotta Shakin' Goin' On le impulsaron a una fama internacional. Pronto le siguió Great Balls Of Fire, que se convertiría en su mayor éxito.
La vida personal de Lewis fue siempre turbulenta, pero mantenida en privado hasta que en la gira de 1958 por Gran Bretaña la prensa descubrió que la tercera mujer de Lewis Myra Gale Brown, el gran amor de su vida, era su sobrina segunda y además menor de edad. La situación causó un escándalo y la gira fue cancelada después de solo tres conciertos.
El escándalo siguió a Lewis hasta Estados Unidos y como resultado de ello, fue casi apartado de la escena musical. Su único éxito durante este periodo fue una versión del What'd I Say de Ray Charles en 1962. Su popularidad se recuperó un poco en Europa (especialmente en Gran Bretaña y Alemania) hacia mediados de los años 1960, pero el éxito le eludió en Estados Unidos. En 1964, Jerry hace el concierto "Live at Star Club".
Después de más de una década tocando rock and roll, en 1968 Lewis se enfocó casi exclusivamente en la música country & western con éxito, con muchas canciones topando las listas. Aunque volvió a hacer giras en cuyos conciertos se agotaban las entradas, nunca conseguiría alcanzar las alturas del éxito que tuvo antes de aquel escándalo, a pesar del gran éxito internacional de Chantilly Lace, en 1973.
Rodeado por problemas de drogas y alcohol, la tragedia golpeó su vida cuando su hijo de 19 años, Jerry Lee Lewis Jr., murió en un accidente de tráfico en 1973. El comportamiento errático de Lewis durante la última parte de la década de los años 1970 le condujo a una larga hospitalización y estuvo cerca de morir debido a una úlcera sangrante. Poco después de esto, su cuarta mujer se ahogó en una piscina en sospechosas circunstancias; y poco más de un año después, su quinta mujer fue encontrada muerta en su casa de una sobredosis de metadona. Jerry Lee Lewis, también adicto a las drogas, decidió internarse de propia voluntad en la clínica de desintoxicación Betty Ford.
Mientras celebraba su 41º cumpleaños en 1976, Lewis empezó a jugar con una Magnum del calibre 357. Más tarde se intentaría disculpar diciendo que pensaba que estaba descargada. Lo cierto es que, apuntando al bajista de su grupo, Butch Owens, apretó el gatillo. La pistola estaba cargada y Lewis disparó a Owens en el pecho. Owens sobrevivió, milagrosamente.
En 1989, una película basada en los primeros años de su carrera titulada Great Balls of Fire! (traducida al español como Gran bola de fuego o Bolas de fuego) atrajo sobre él la mirada del público. El film estaba basado en el libro de la ex-esposa de Lewis, Myra, y protagonizado por Dennis Quaid haciendo de Lewis, y por Winona Ryder y Alec Baldwin.
La ruina pública de su primo, el evangelista de televisión Jimmy Swaggart, no hizo más que aumentar la publicidad negativa de una ya muy problemática familia. Swaggart es también un pianista, como su otro primo, la estrella del country Mickey Gilley. La hermana de Jerry Lee, Linda Gail Lewis, también es una pianista, y ha grabado algunas canciones con Van Morrison.
A pesar de sus problemas personales, su talento musical es incuestionable. Apodado "The Killer" ("El Asesino") por su poderosa voz y su manera de tocar el piano en el escenario, ha sido descrito por su compañero Roy Orbison como el cantante más salvaje de la historia de la música rock. En 1986 Jerry Lee Lewis formó parte del primer grupo incluido en el Rock and Roll Hall of Fame, siendo el primer artista introducido en ese Salón de la Fama.
Después de varios años sin pisar un estudio, Lewis planeaba sacar un nuevo álbum en 2004, pero no fue así.
Finalmente, el disco salió el 26 de septiembre de 2006 con el título de "Last Man Standing". El cual incluye 21 duetos con las primeras estrellas, leyendas del panorama musical, desde Mick Jagger, Jimmy Page, Bruce Springsteen, Ringo Starr, Neil Young a Keith Richard, BB King y a Buddy Guy.
Hizo una aparición no muy inspirada en la ceremonia de entrega de los Grammys 2008.
Parece que en los ultimos meses ha recuperado la forma(vocalmente) perdida en sus ultimos dos años



Jerry Lee Lewis - The best of Jerry Lee Lewis

Freddie King - Larger Tan Life (USA Blues 1975)

Milestone envia:
Nace en Gilmer, Texas en 1934 y comienza a tocar la guitarra, a la temprana edad de 6 años, enseñado por su madre y su tío. Ya en el año 1950, se traslada a Chicago y es ahí donde empieza a labrar su fructífera carrera musical aunque con altibajos que le llevaron a una retirada en la segunda mitad de la década de los sesenta. Leon Rusell lo redescubrió, le produjo nuevas grabaciones y lo instaló nuevamente en la órbita de la popularidad y aún con mayor impulso que en la etapa anterior, pero más breve que aquella, ya que en diciembre de 1976 durante un concierto en Dallas, un infarto lo llevó a la muerte.

Freddie King entra dentro del llamado blues de Chicago y además de ser un gran guitarrista poseía una portentosa voz que incluso ha sido imitada descaradamente y homenajeada por el archiconocido Eric Clapton en multitud de ocasiones y en numerosas entrevistas ha reconocido a Freddie King como su maestro.

Fue uno de los primeros, si no el primero, en utilizar el efecto “sustain” en su guitarra (consiste en mantener una nota sonando limpiamente durante algún tiempo) y que hoy en día es fácil de reproducir con un pedal. Además su técnica le permitía utilizar las yemas de sus dedos en lugar de la tradicional púa, muy llamativo sin duda.

Freddie King fue contemporáneo a otros grandes músicos del estilo, pero como le ocurriera a Earl Hooker, su temprana muerte lo dejó en segunda fila.

Sus temas los han versioneado gente tan reconocida como Eric Clapton, Jeff Healey, Stevie Ray Vaughan, Jeff Beck, John Mayall o Peter Green.

El disco que nos ocupa, producido por Mike Vernon y editado en 1975, es el último publicado en vida y contiene varios temas grabados en directo lo que le da un sonido más consistente. En la banda que le acompaña se encuentran músicos como Pete Wingfield (Olympic Runners, Keef Hartley Band) o Steve Ferrone (Bloodstone, Average White Band).



Freddie King - Larger Tan Life (USA Blues 1975)

jueves, 11 de diciembre de 2008

Herman Brood & His Wild Romance - Cha Cha-The Soundtrack (1979 NEDERL Rock)

Antxonin envia:

Herman Brood "La Leyenda Del Rock", nació el 5 de noviembre de 1946 en Zwolle (Holanda), fué un gran músico, artista y pintor.
Sus primeras clases de piano las inició en 1959, no le gustaba mucho estudiar, le gustaba más tocar el piano en un viejo almacén, no obstante en 1964 comenzó sus estudios en la escuela de bellas artes en Arnem, fué ahí donde surgió su primer grupo musical "The Moan", tocaban mucho en el Este de Alemania para los soldados americanos.
Para seguir ese ritmo y aguantar "despierto" empezó a consumir diferentes tipos de drogas que más tarde le llevarian a padecer una gran adiccion.
En el año 1967 se unió al grupo "Cuby And The Blizzards", uno de los mas famosos grupos de Holanda en los años 70, pero cuando su compañia de discos se dió cuenta de su adicción, Herman Brood fue expulsado del grupo.
Hasta 1974 la vida de Herman Brood fue un poco "oscura" pero aquel año volvió a la música con varios grupos, como "Stud" y "Vitesse", tambien grabó un disco con "Jan Akkerman" y "Flash & Danceband".
En 1977 creó su propio grupo "Herman Brood & His Wild Romance", con este grupo permaneció bastante tiempo......
Despues de haber roto con Cuby & The Blizzards, Herman se concentraba totalmente en su nuevo grupo Herman Brood & His Wild Romance, que poco a poco se fueron haciendo famosos.
En 1977 salio a la venta el primer álbum llamado "Street", y en 1978 uno de los mas famosos álbumes de Herman Brood & His Wild Romance "Shpritsz", el album "Shpritsz" tenia como "soundtrack" Saturday Night Fever, que fue un gran exito en Holanda, Alemania, Inglaterra y los Estados Unidos.
En 1979 hizo su debut como actor/músico en la pelicula "Cha Cha" junto a Nina Hagen y Lene Lovich.
En 1979/80 se fueron a los Estados Unidos para grabar un nuevo album llamado "Go Nutz".
En 1980 el grupo Herman Brood & His Wild Romance se separo.


Herman Brood & His Wild Romance - Cha Cha-The Soundtrack (1979 NEDERL Rock)

MIKE ABSALOM - Mike Absalom (1971 UK Acid Folk)

Mendi envia:
Mike Absalom fué una verdadera rareza a finales de los años 60 y principio de los 70 en la escena del Reino Unido, un cantautor con un doblado sentido del humor que parecía llevar una pesada carga por el trafico ilícito de productos farmacéuticos por un mundo desigual. A diferencia de su contemporáneo Syd Barrett, Absalom, no se convertirá en un ácido siniestro.
Grabó un álbum para Saydisc en 1969 bajo el titulo "Save The Last Gerkhin For Me", y que figura en una carrera de buscavidas y tapabocas. Producido por Patrick Lyon (de Nirvana [UK]), que había encontrado su atención, cuando Absalom tocaba su música para lograr un pequeño cambio en una estación de metro de Londres. Posteriormente firmo para Vertigo.
Absalom gira por todo el Reino Unido, tocando en circuitos universitarios y pequeños clubes. El contrato de Vertigo produjo un par de álbumes, de los cuales "Mike Absalom" (1971) que apenas tuvo éxito, a pesar de que del artista Roger Dean (ya sabéis el de las portadas de Yes, Budgie, Osibisa, Uriah heep, Atomic Rooster, Gentle Giant, Gun, Babe Ruth, Gravy Train, étc, étc), realizó un
cartel que se duplicó como cartel guía de Notting Hill Gate. “Hector And Other Pecadillos" (1973) obtuvo un poco más de atención, pero no lo suficiente como para evitar perder de vista a Absalom durante algún tiempo.
Absalom finalmente resurgió en el Canadá, y actualmente vive en Maple Ridge (columbia Británica). A lo largo de los años ha ampliado considerablemente su repertorio, interpretando música Celta con el nombre de "Mike Absalom & The Squid Jiggers", así como una variedad de música de arpa. Se ha convertido en popular en el oeste de Canadá, por la variedad de su música y su constante extraño humor.



MIKE ABSALOM - Mike Absalom (1971 UK Acid Folk)

Buddy Holly - The Best Of -Rock&Roll 50's

Babelain envia:
Turno para el gran Buddy Holly, otro de los pioneros del rock&roll y además precursor de lo que se llamó luego pop-rock. Su carrera quedó sesgada por un accidente de aviación. También fue uno de los primeros intérpretes que componía sus propias canciones, cosa rara en la época. Fue también pionero en el control de la grabación, en el doblado de voces y otras sutilezas. Admirados por cantidad de grupos, sobre todo ingleses (The Beatles, Animals, Who, Hollies-que toman su nombre de su apellido- Blind Faith, etc…) sus canciones fueron grabadas por infinidad de músicos, por ejemplo: Words of love (Beatles) ,Not fade away (R. Stones). También dejó su influencia en numerosos grupos americanos: Byrds. Turtles, etc. El accidente aéreo en que Holly perdió la vida inspiró a Don McLean para componer "American Pie", en la que se refiere al día del accidente como El día que murió la música ("the day that music died").

Información en la red:
Holly, en cuya familia había un gran interés por la música, aprendió a temprana edad a tocar el violín, el piano y la guitarra. En el otoño de 1949 conoció en el Instituto Hutchinson Jr. a Bob Montgomery, con el que poco después formó el dúo Buddy and Bob. El interés de Holley y Montgomery se dirigió al principio hacia la música country, pero, tras ver en 1955 actuar en directo a Elvis Presley, decidieron dedicarse al rock and roll. Pocos meses después actuaron como teloneros del propio Presley, de Carl Perkins y Johnny Cash y, más tarde, de Bill Haley y sus Cometas. Gracias al éxito de estas actuaciones, Decca Records le ofreció a Buddy firmar un contrato para grabar varios temas en solitario, en el estudio de Owen Bradley en Nashville. Su primer single, Blue Days, Black Nights, apareció en abril de 1956. Aunque recibió comentarios elogiosos, las ventas no fueron demasiado buenas. A pesar de no ser un artista especialmente reconocido en éste género, en estas grabaciones (y en algunas maquetas anteriores) Buddy se revela como un poderoso intérprete de rockabilly, y canciones como Rock around with Ollie Vie, Baby won't you come out tonight, Love me o Midnight shift, están a la altura de los mejores temas de los grandes de Sun Records como Elvis, Carl Perkins, Johnny Cash o el primitivo Johnny Burnette.
The Crickets
De regreso a Lubbock, junto a sus amigos Jerry Allison (batería), Joe.B.Malduin (contrabajo) y al guitarrista Nikki Sullivan, Holley formó un nuevo grupo, The Crickets, con el que grabó varios temas en el estudio de Norman Petty en Clovis (Nuevo México). Una de las canciones grabadas en estas sesiones fue That'll Be The Day, inspirada en una frase que el personaje interpretado por John Wayne repite insistentemente en la película The Searchers (Centauros del desierto). Ocurría que Decca, propietaria de los derechos de las canciones grabadas en Nashville, ejercía el control de los temas durante cinco años, y no parecía querer dar demasiadas facilidades a la hora de una posible edición de las canciones por parte de otra compañía. Uno de los temas era That'll Be The Day, canción rechazada por su primer productor, Owen Bradley, por considerarla "horrorosa", y que ahora se perfilaba como un hit en potencia al que Norman Petty veía un gran futuro. Gracias a los contactos de Petty, Coral Records, empresa filial de Decca, contrató a Buddy Holly and The Crickets, editando la propia Coral los discos como The Crickets, mientras que Brunswick Records, otra subsidiaria de Decca, lo haría bajo el nombre de Buddy Holly. Los artistas eran exactamente los mismos en ambos casos pero la jugada le permitía a Petty sacar el doble de sencillos que los competidores, al tiempo que la exigencia hacía que el talento del tejano se expresara en toda su plenitud creativa. La canción That'll Be The Day propulsó definitivamente a Holly y sus amigos hacia el éxito.
Buddy y The Crickets se embarcaron en numerosas giras durante las cuales, gracias a su simpatía y extravertido carácter tejano, trabaron amistad con muchos de sus colegas más significativos: Chuck Berry, con el que solían jugar a las cartas; Little Richard, que apreciaba la sensibilidad y genio del joven tejano; Eddie Cochran, al que Buddy admiraba por su talento como guitarrista; sin embargo, de todas las estrellas con las que trabajó serían los hermanos Everly (Phil y Don) quienes se transformarían en dos de sus mejores amigos.
La música de Buddy Holly era bastante innovadora para su época. Abandonó el primitivo rockabilly de sus primeros tiempos y enriqueció notablemente el lenguaje de la música popular de su tiempo. Utilizó instrumentos poco usuales en el rock'n'roll, como la celesta (en el tema Everyday), o las percusiones latinas. Fue un guitarrista influyente, tanto con la guitarra solista como con la rítmica, especialmente en canciones como Peggy Sue y Not Fade Away. Aunque la mayoría de sus canciones reproducen los esquemas habituales de aquellos años, escribió también letras más sofisticadas. Muchos de sus temas tienen melodías y armonías bastante más complejas que lo que se había hecho hasta el momento.
Durante el periodo 1957-1958 Buddy y The Crickets encadenaron una sucesión de singles históricos que les convirtieron en unos de los artistas más populares de su tiempo: Peggy Sue, Oh boy!, Not fade away, Everyday, Rave on, Maybe baby o It´s so easy son algunos de los más de veinte sencillos que colocaron en el top 100 a ambos lados del Atlántico.
Carrera en solitario y fallecimiento
En otoño de 1958, Holly abandonó a The Crickets y comenzó una carrera en solitario, cuya primera parada fue en el Pynthyan Temple Studio de Nueva York, donde abordó junto a Dick Jacobs y su orquesta, una de las sesiones más memorables de la historia del rock. De aquella tarde salieron perlas como "Raining in my hearth" o "It doesn't matter anymore", que serían grandes éxitos y que venían a representar el talento y versatibilidad del artista de Lubbock. Sin embargo, con problemas legales con su antiguo productor, Norman Petty, recién casado y con apuros económicos, emprendió una gira en solitario con otros destacados intérpretes, como Ritchie Valens, Dion and the Belmonts y The Big Bopper a principios de 1959. En el curso de esta gira, Holly, Valens y The Big Bopper fallecieron en un accidente de aviación cuando la avioneta de cuatro plazas en la que viajaban, se estrelló en un campo de maíz en el estado de Iowa. La avioneta alquilada por Buddy Holly llevaba en el momento del accidente a Holly, a Big Bopper y Ritchie Valens, ya que originalmente era Tony Allsup quien viajaría en lugar de Valens, pero al término del último concierto se sortearon la plaza, saliendo ganador Valens.
La muerte de Buddy Holly, Ritchie Valens y Big Bopper (tragedia conocida como El día que murió la música) causó un gran impacto en su época. Las dramáticas fotografías del accidente dieron la vuelta al mundo, Elvis Presley envió un telegrama de condolencia desde Alemania; a su entierro acudieron numerosos artistas y disc jockeys del momento; su féretro fue llevado por sus antiguos compañeros de The Crickets y por Phil y Don Everly; Eddie Cochran grabó una versión del tema Three stars en honor de sus camaradas muertos, además, su muerte significó el último gran mazazo que recibió el rock and roll, en una época en que ya había sido castrado por el establishment y convertido en un producto de consumo.
Influencia
Sin duda alguna Buddy Holly fue la primera gran estrella Pop. Fue el primer artista de su época que, sin renunciar a su patrimonio cultural (country) y generacional (rock and roll), marcó un estilo en el que primaban la melodía y los arreglos sobre el ritmo. El esquema clásico, metódicamente repetido por millones de bandas de rock de todo el mundo desde entonces, de dos guitarras, bajo y batería, es establecido y popularizado por The Crickets. Además, fue un precursor en el campo de la fusión de las orquestas con los instrumentos amplificados, y en la introducción en el rock de sonidos poco habituales. Amén de componer casi todo su mejor material, ejerció de productor, mecenas, y fue un visionario que ya en aquella época aspiraba a colaborar musicalmente con sus ilustres contemporáneos (fue famoso en la época su infructuoso intento de colaborar con Ray Charles).
Buddy Holly tuvo una gran influencia sobre los grupos británicos que comenzaron su carrera a comienzos de los años 1960. De él tomaron su nombre los Hollies, y tanto los Beatles (Words of love) como los Rolling Stones (Not fade away) grabaron versiones de canciones suyas en sus primeros tiempos. Al menos en parte, el nombre Beatles (inglés: algo así como escarabajos) es una referencia/homenaje a los Crickets (inglés: "grillos"). Se sabe que George Harrison aprendió a tocar la guitarra con su madre y los discos de The Crickets. Paul McCartney es, además, el propietario de los derechos sobre las canciones de Holly, y entre 1978 y 1986 organizó anualmente "The Buddy Holly week", amén de producir y narrar el documental "The real Buddy Holly story" en 1982. En realidad se puede afirmar con rotundidad que, en mayor o menor grado, desde los The Kinks hasta los The Who pasando por The Animals, la sombra de Buddy Holly planeaba sobre cualquier grupo inglés del periodo 1963-1966.
También grupos estadounidenses de la década de 1960, como The Byrds o los The Turtles, tienen una gran deuda con el músico tejano. Es especial el caso del también tejano Bobby Fuller, que se hizo famoso gracias a "I fought the law", una canción compuesta por Sony Curtis, amigo íntimo y primer guitarrista de Buddy, vocalista de The Crickets tras su muerte, en la que aparecen todos los tics en letra, música y arreglos de las canciones más clásicas del genio de Lubbock.
El trágico accidente aéreo en que Holly perdió la vida inspiró a Don McLean para escribir, en 1971, su popular canción "American Pie", en que se refiere al día del accidente como El día que murió la música ("the day that music died").
A principios de la década de 1970, apareció un curioso grupo llamado The Modern Lovers cuyo cantante, Jonathan Ritchman, un singular tipo que destilaba inocencia y sencillez por doquier, se reveló como uno de sus más fervorosos seguidores. Para finales de esta década, la música de Holly fue un modelo invocado por grandes nombres de la new wave, como Elvis Costello, en el Reino Unido, y Marshall Crenshaw, en Estados Unidos (quien interpretó a Holly en la película La Bamba, de 1987), quienes, al igual que los gemelos Craig de The Proclaimers, incluso han imitado su imagen personal.
Incluso también en el punk, Holly tuvo su influencia, y esta es bien notoria en muchos temas de The Clash, cuyo líder Joe Strummer siempre se declaró incondicional de su trabajo.
En 1994, el grupo estadounidense Weezer le dedicó a Buddy una canción incluida en su álbum debut homónimo, convirtiéndose en uno de los temas referenciales de la banda.
Una canción de Radiohead "true love waits" también hace referencia a la canción "true love ways"
En definitiva, la nómina de artistas que han interpretado a Buddy Holly es extensísima, y aparte de incluir a casi todos los anteriormente citados podríamos añadir a Bobby Vee, Billy Fury, Cliff Richard, Linda Ronstadt, Humble Pie, Peter & Gordon, Rush, Grateful Dead, Bruce Springsteen, James Taylor, Blind Faith, John Mellencamp, Foghat, MxPx, Meat Loaf, Pearl Jam, The Knack, Wreckless Eric, John Lennon, Albert Hammond, Emmylou Harris, Jason and the Scorchers, Sterlin, Stray Cats, The Proclaimers y muchísimos más, que dan fe de la importancia del músico tejano en la música popular del siglo XX.
Buddy en la escena
En 1978 se produjo el filme The Buddy Holly story, protagonizado por Gary Busey y Charlie Martin Smith. La película distorsiona notablemente la realidad, aunque hay que reseñar en descargo del director Steve Rash y el guionista Robert Glitter, que tuvieron enormes obstáculos para elaborar el guión, con problemas de derechos legales y de permisos, listones que no pudieron superar en el caso de Norman Petty y The Crickets: el primero no aparece en la historia, los segundos obligaron a cambiar sus nombres a sus personajes de ficción. Aún así, como producto cinematográfico, la película está realizada con la suficiente dignidad para que en los Premios Óscar de 1979, recibiera tres nominaciones (actor, sonido y banda sonora), y ganara uno (banda sonora), además de un premio BAFTA, el premio de la crítica y una nominación al Globo de Oro (en todos estos casos en la persona de Gary Busey). Sin embargo, la polémica, sobre todo entre los fans más puristas, acompañó siempre a la película, y ese es uno de los motivos que llevó a Paul McCartney a producir el ya mencionado documental The real Buddy Holly story.
Más éxito obtuvo el musical homónimo, producido en 1989, estrenado en Londres en 1990, donde permaneció en cartel hasta el año 2002, fecha en que se trasladó a Broadway donde permaneció otra temporada antes de girar extensivamente por todos los países anglófonos del mundo. La pieza en dos actos sí que describe fielmente la vida de Buddy, interpretado en sus primeros años por el británico Paul Hipp, y obtuvo un sinfín de premios de la escena teatral anglosajona, incluyendo los prestigiosos Laurence Olivier a la mejor producción del año en 1990.




Buddy Holly - The Best Of -Rock&Roll 50's

martes, 9 de diciembre de 2008

New York Dolls - Live At The Fillmore East (2008 USA Glam Rock)

Superfurry envia:

Directo de las muñecas neoyorquinas grabado en diciembre de 2007 en el Fillmore East de New York. Después de ser rescatados del olvido en el 2004 por Morrissey y tras la más que buena acogida, los New York Dolls, aunque con sólo dos de sus miembros originales (David Johansen y Sylvain Sylvain), editan en el 2006 el Lp "One Day It Will Please Us To Remember Even This" y en 2008 este directo practicamente calcado, tanto en formación como en repertorio, al concierto que nos ofrecieron en el FIB de este año.

Que disfrutéis este concierto de una de las bandas más gamberras y divertidas de los últimos 40 años.

New York Dolls - Live At The Fillmore East (2008 USA Glam Rock)

Commander Cody HLPA -Live Texas (1974 USA Rock)(vinylrip)

Milestone envia:
Fue el cuarto LP del grupo y apareció a principios de 1974; posiblemente sea el disco más representativo de lo que era y hacía aquella increíble banda forjada en Detroit y Berkeley. Estos tipos se hallaban en su medio en las actuaciones en directo. Commander Cody y sus Lost Planet Airmen no pretendían revelarte ninguna verdad transcendental ni aplastarte bajo el peso de su virtuosismo colectivo, que tanto se llevaban en la época, fundamentalmente eran una banda para bailar. Una banda que interpretaba su repertorio con cierto humor y muchas ganas. Cody y sus muchachos daban nuevas dimensiones a la palabra “eclecticismo” que tanto nos gusta en esta web. Por ejemplo en este disco tocan desde excitante rockabilly y lacrimosas baladas country, música cajun y rhythm and blues, rock and roll y canciones de cowboys. Y lo hacen con tal naturalidad que ni aprecias los saltos. Usando su formación al máximo y sin dejar momentos muertos consiguen enloquecer al público. Realmente este era un grupo que no tenía problemas de comunicación con el público, escúchales como rugen cuando cantan “Sown to seeds and ítems again blues”, la historia del hippie pobretón que se enfrenta nuevamente a la necesidad de fumarse las semillas y los tallos de la cannabis sativa…
“Live from deep in the heart of Texas” es una gozada.

Eran una de las bandas mas sanas surgidas tras la revolución contracultural de 1967 y después de 10 años de agitada existencia se disolvieron silenciosamente agobiados por problemas económicos y desesperanzados ante la perspectiva de pasarse otros diez años en la carretera.
La edición española se editó en nuestro país en 1977 y venía publicada con una horrible portada en la que desaparecían los armadillos de Jim Franklin. En el artwork incluyo la portada original y los sellos del disco junto a la desastrosa portada de la edición española, pero es el disco que tengo y he ripeado.
Todos los temas del disco están enlazados con sonido ambiente del público por lo que no los he cortado.
Como es habitual en mis trabajos, wave comprimido en ape… disfrutadlo a buen volumen, no os arrepentiréis.


Commander Cody HLPA -Live Texas (1974 USA Rock)(vinylrip)

JOE EGAN - MAP (1981 Scotch Rock)(vinilorip)

Coscolin envia:
Stealers Wheel, obtuvo repercusión en los 70 gracias a la canción Stuck In The Middle With You". Pues bien, Joe Egan era uno de los dos componentes de esa banda. El otro era Gerry Rafferty, que se hizo de oro gracias al tema "Baker Street", un clásico inmortal del llamado Soft Rock.

Tras la disolución del dúo, Joe Egan publicó un par de trabajos.

"Out Of Nowhere" fue el primero de ellos, donde se acercaba a lo que se llamó sonido AOR.este ya enviado por el amigo antxonin y el segundo y ultimo de su carrera en solitario "MAP" en 1981 quizas un poco menos folk aunque con algunas preciosas baladas y algunos temas un poco mas rock.

Bien acompañado por musicos como:
Nicky Hopkins a los teclados o
Chuk Findley a los vientos entre otros.
un escelente disco para mi gusto y muy agradable de oir.

Que yo sepa no grabo mas. Espero que os guste este vinilo tanto como a mi PUES ME HA QUEDADO CASI PERFECTO,esta en muy buenas condiciones.



JOE EGAN - MAP (1981 Scotch Rock)(vinilorip)

miércoles, 3 de diciembre de 2008

Beat-Club - The Best Of '66 (1966 DVD)

Kikas envia:
Pués acá estoy de nuevo, jeje.
El prometido es deuda, y acá va el segundo DVD de la serie de 10 DVDs, con los mejores momentos del legendario Beat Club.

Aqui, se puede ver/oír a grupos menos, y otros mas conocidos de todos nosotros, tales como :

- The Yankees
- Remo Four
- The Hollies
- The Lords
- Ian And The Zodiacs
- Spencer Davis Group
- Isabella Bond & The Tramps
- Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich
- Walker Brothers
- The Boots
- The Birds & The Bees
- The Easybeats
- Moody Blues
- ... etc etc

Espero que os guste



Beat-Club - The Best Of '66 (1966 DVD)

Gene Vincent - The Best Of

Babelain envia:
Ya va siendo hora de revisar a los clásicos, aunque sea en recopilaciones de grandes éxitos. Después de Eddie Cochran le toca el turno a Gene Vincent, autor de uno de los éxitos más importantes del rock&roll: Be Bop a Lula, fue uno de los pocos artistas blancos que podía emular en energía y pasión en el escenario a los músicos negros de la época. Un resumen de quien fue este chavalillo:
Nacido en Norfolk en 1935, Gene Vincent, fue uno de los primeros artistas del rock’n’roll de mediados de los 50, haciendo sudar tinta a Elvis Presley. Aunque un accidente montando en su moto Triumph le dejó una cojera permanente, la personalidad enérgica del joven Vincent de 20 años, su sensual voz y su salvaje estilo de vida lo convirtieron en uno de los genuinos chicos malos del rock. Respaldado por la banda The Blue Caps, El superexitazo de Vincent, “Be-Bop-a-Lula”, se editó en 1956. Singles como “Race With the Devil” y “Bluejean Bop” lo consagraron como un icono. Murió con sólo 36 de úlcera de estómago.
Información más exhaustiva:
Gene Vincent, cuyo nombre real era Eugene Vincent Craddock (11 de febrero de 1935 - 12 de octubre de 1971) fue un cantante de rockabilly estadounidense, conocido sobre todo por su éxito "Be-Bop-A-Lula".

Hasta Be-Bop-A-Lula
Empezó a tocar la guitarra a una edad muy temprana. A los 17 años se alista en la armada, pero debería abandonarla después de que un accidente de moto le dejara una lesión permanente en la pierna. Tras volver a Norfolk (Virginia), empieza a tocar en varias bandas de country. Allí firma un contrato en Capitol Records junto con la banda The Blue Caps, donde el guitarrista solista era el virtuoso Cliff Gallup, uno de los instrumentistas que más han influido en los primeros años del rock. Con ellos grabaría una sesión de la que saldría un disco de dos caras: en la cara A aparecía "Woman Love", pero sería la cara B del disco la que pincharían todos los DJ de las principales emisoras de rock and roll: la canción de la cara B se llamaba "Be-Bop-A-Lula".
Años de esplendor
Después de que "Be-Bop-A-Lula" se convirtiera en un éxito en primavera de 1956, Gene Vincent & the Blue Caps tuvieron un año mágico, donde obtuvieron grandes ventas y consiguieron meter en el top 100 otros dos temas, a la par que su álbum de debut Bluejean Bop. Capitol Records pensó haber encontrado al nuevo Elvis y no escatimaron gastos para promocionar a su artista, llegando a contratar a los coristas de Presley, los Jordanaires, para grabar con Gene los temas "Five days" e "Important words". Sin embargo, a pesar de contar con canciones aclamadas por la crítica como los "hits" "Bluejean Bop" y "Race with the Devil" fueron incapaces de mantener ese éxito popular. Su estilo era demasiado rebelde, con canciones de letras explícitas, en ocasiones (intencionadamente) poco comprensibles, salpicadas de solos salvajes que las hacían difíciles de bailar. Además, durante la gira del verano de 1956, en la que actuaba junto a Johnny Burnette, algunos incidentes que acabaron con la banda en comisaría y fueron aireados por la prensa, propiciaron que grandes estrellas pop como Andy Williams o Pat Boone se negaran a compartir espectáculo con él. A principios de 1957 tiene que ser ingresado en un hospital aquejado de una recaída de su lesión en la pierna. Por entonces Cliff Gallup había dejado el grupo siendo sustituido por Johnny Meeks, otro legendario guitarrista de los primeros años del rock and roll. Posteriormente el resto de los Blue Caps originales excepto el segundo guitarra Paul Peek y el batería Dickie Harrel abandonaron la banda. Con el sonido mucho más "metálico" de la guitarra de Johnny Meeks y los coros de Peek y Tommy Facenda, el estilo de su música cambió, abandonando el salvaje rockabilly de sus orígenes por un sonido menos acústico y totalmente electrificado. En esta nueva época Gene y su grupo cosecharon sus otros dos éxitos, que fueron los temas "Lotta Lovin" (1957) y "Dance to the bop" (1958 ). Vincent también se convirtió en una de las primeras estrellas de rock en aparecer en una película, The Girl Can't Help It (1956). Posteriormente aparecería en el film "Hot rod gang" (1958 ), pero también fue en esta época cuando empezó su declive. La lesión que padecía en la pierna le provocaba tales dolores que a menudo tuvo que suspender conciertos y giras, y se empezó a correr el rumor de que antes de cada concierto se emborrachaba e ingería dos tubos enteros de aspirinas para poder soportar el terrible dolor de su pierna.
Últimas décadas
En 1959 fue a un programa de rock en la televisión británica, donde aparecería regularmente. Fue entonces cuando convenció a su amigo Eddie Cochran para que fuese hasta allí en una gira de doce semanas. El 17 de abril de 1960, mientras los dos cantantes y Sharon Sheeley, la novia de Cochran, iban en un taxi por Chippenham (Wiltshire), sufrieron un accidente de circulación que acabaría con la vida de Cochran (y de paso le convertiría en un mito del rock and roll) y agravaría la lesión en la pierna de Vincent, dejándole una cojera de por vida.
En los años 60, la carrera de Vincent casi había acabado en los Estados Unidos, aunque mantenía un público fiel en Europa, especialmente en Inglaterra y Francia. Hizo algunas giras esporádicas más, algunas en compañía de cantantes tan ilustres como los Beatles (los cuales copiaron su indumentaria de cuero negro en sus años en Hamburgo), John Lennon, Chuck Berry o Jerry Lee Lewis. Pero en general su carrera estaba acabada. Sus discos no se vendían y después de unas apariciones de poco éxito en el Festival del parque de San Francisco, volvería a su casa de Los Ángeles. Poco después sería ingresado en el hospital Inter-Valley de New Hall (California), aquejado de una úlcera sangrante de estómago. Moriría el 12 de octubre de 1971 a la edad de treinta y seis años.
Gene Vincent está enterrado en el Eternal Valley Memorial Park en Newhall, California.
Herencia cultural
Conocido como el "Príncipe Negro" (por su atuendo de cuero negro de los pies a la cabeza) o el "Hamlet del rock and roll", representó al genuino rocker de tupé desordenado, rostro atormentado, motocicleta y cazadora de cuero negro, y es una de las figuras más reverenciadas por los aficionados al rock and roll. Su influencia ha sido grande en artistas como Jeff Beck (que en 1996 editó un disco, "Crazy legs", exclusivamente de versiones de su época con Cliff Gallup), Ian Dury (que le dedicó el tema "Sweet Gene Vincent"), Robert Gordon (que hizo lo propio con el tema "The catman"),Billy Idol y Brian Setzer y los Stray Cats (que han versioneado muchos de sus temas a lo largo de su carrera)
Un dato curioso es que, a pesar de ser un artista menor en comparación con sus contemporáneos, a pesar de no haber protagonizado ninguna película y haber aparecido cantando en un par de ellas solamente, durante muchos años fue el único rocker de los años 50 aparte de Elvis que tuvo una estrella en la acera de Vine Street, en Hollywood.




Gene Vincent - The Best Of